Главная » Музыкальный словарь
19:41
Музыкальный словарь
СОНАТА.

Если сравнивать сонату с литературным жанром, то больше всего подойдет сравнение с романом или повестью. Подобно им, соната делится на несколько «глав» -- частей. Обычно их три или четыре. Подобно роману или повести соната населена различными «героями»: музыкальными темами. Темы эти не просто следуют одна за другой, а взаимодействуют, влияют друг на друга, а иногда и вступают в конфликт.

Наибольшей напряженностью и остротой отличается первая часть сонаты. Поэтому в ней и сложилась своя, особая форма, которая называется сонатной.



Развитие музыки, построенной в сонатной форме, можно сравнить с действием в драматической пьесе. Вначале композитор знакомит нас с основными действующими лицами -- музыкальными темами. Это как бы завязка драмы. Затем действие развивается, обостряется, достигает вершины, после чего наступает развязка. Таким образом, сонатная форма состоит из трех разделов -- завязки или экспозиции, в которой основные темы появляются (экспонируются) в разных тональностях, собственно действия -- разработки -- и итога -- репризы. Каждому из них посвящен в этой книжке отдельный рассказ.



Разработка -- средний раздел сонатной формы -- раздел наиболее конфликтный, наименее устойчивый. Темы, прозвучавшие впервые в экспозиции, показываются здесь с новых, неожиданных сторон. Они расчленяются на короткие мотивы, сталкиваются, переплетаются, видоизменяются, борются одна с другой. В конце разработки состояние неустойчивости, борьбы, достигает высшей точки -- кульминации -- и требует разрядки, успокоения. Их приносит реприза. Ей также посвящен отдельный рассказ. В репризе и происходит повторение того, что было в экспозиции, но с изменениями, вызванными событиями разработки. Все музыкальные темы сонаты в репризе появляются в одной, основной тональности. Иногда завершает первую часть сонаты кода. В ней проходят отрывки наиболее важных тем части, еще раз утверждается основная, «победившая» тональность.



Вторая часть, в отличие от первой, сочинена, как правило, в медленном движении. Музыка передает неторопливое течение мысли, воспевает красоту чувств, рисует возвышенный пейзаж.



Финал сонаты выдержан обычно в быстром, подчас даже стремительном движении. Это -- итог, выводы из предшествующих частей: он может быть и оптимистическим, жизнеутверждающим, но иногда бывает и драматическим и даже трагедийным.



Классический сонатный цикл сложился в одно время с симфонией, во второй половине XVIII века. Однако термин «соната» возник еще в XVI веке. Он произошел от итальянского слова sonare -- звучать. Первоначально так называли любое инструментальное произведение в отличие от кантаты (cantare -- петь). И лишь с возникновением нового жанра инструментальной музыки это название стало принадлежать только ему одному безраздельно.



Сонаты писали и пишут многие композиторы, начиная с Корелли (XVII век) и до наших дней. Эпоху в инструментальном творчестве составили сонаты Д. Скарлатти, Гайдна, Моцарта, Бетховена, Шуберта, Шопена, Шумана. Замечательны по своим художественным достоинствам сонаты русских и советских композиторов: Рахманинова, Скрябина, Метнера, АН. Александрова, Мясковского, Прокофьева.



Кроме сольных фортепианных сонат, существуют сонаты для большего числа инструментов: сонаты для скрипки или виолончели и фортепиано, инструментальные трио и квартеты -- они, как правило, тоже являются по своей форме сонатами. Сонатой для сольного инструмента и оркестра можно назвать инструментальный концерт.



Тем, кто начинает учиться музыке, приходится иметь дело не с сонатами, а с сонатинами. В дословном переводе слово «сонатина» означает «маленькая соната». Она меньше настоящей сонаты по размерам, а кроме того значительно легче технически, более проста по содержанию.



СОНАТИНА

-- см. Соната.



СОПРАНО.

Знаете ли вы сказку о Снегурочке? Ее написал русский драматург А. Н. Островский, а композитор Н. А. Римский-Корсаков создал на ее основе оперу. Партию Снегурочки -- хрупкой, нежной дочери Мороза и Весны, он поручил высокому, светлому и серебристому, словно колокольчик, голосу -- колоратурному сопрано.

Колоратурное сопрано -- самый высокий и подвижный женский голос. Колоратурным он называется потому, что легко исполняет разные вокальные украшения -- колоратуры. Тонкий орнамент мелодии чудесно передает сказочный образ. Колоратуры в партии Снегурочки ассоциируются с пением птиц -- спутниц весны, с веселой мартовской капелью, с журчанием веселых ручейков.



Для колоратурного сопрано написано много разных партий. Раньше композиторов привлекали в нем блеск и виртуозность, возможность исполнять блестящие пассажи. Потом, в XIX веке, стали обращать больше внимания на выразительность пения.



Характер звучания колоратурного сопрано позволяет создавать шаловливые, своенравные образы, такие как Людмила в «Руслане и Людмиле» Глинки, Церлина в «Дон-Жуане» Моцарта. Часто колоратурному сопрано поручают партии сказочных персонажей -- Царевны-лебеди в «Сказке о царе Салтане» Римского-Корсакова. Шемаханской царицы в его же «Золотом петушке».



Иногда большим количеством колоратурных украшений композитор хочет приблизить звучание голоса к тембру инструмента, подчеркнуть его холодный блеск. Этим средством воспользовался Моцарт, создавая образ злой волшебницы -- царицы Ночи в опере «Волшебная флейта».



Наиболее распространено среди певиц лирическое сопрано -- нежный, легкий голос. Для него написаны партии Татьяны в «Евгении Онегине» Чайковского, Наташи в «Войне и мире» Прокофьева, Тамары в «Демоне» Рубинштейна -- партии, в которых преобладают черты лиризма, душевной теплоты.



Часто встречается и другая разновидность сопрано -- драматическое. сильное и яркое. Композиторы наделяют таким голосом героинь с волевыми характерами, нередко -- с драматической судьбой. Героинь, страдающих, борющихся за свое счастье, а подчас и гибнущих в этой борьбе. Таковы Наташа в «Русалке» Даргомыжского, Лиза в «Пиковой даме» Чайковского.



Бывают и голоса, которые сочетают в себе различные качества, например, лирико-колоратурное или лирико-драматическое сопрано. Певицы с такими голосами могут петь разные партии. Выбирают они для себя те, которые оказываются более удобными по голосу, близкими по образу.



Чудесным лирико-колоратурным сопрано обладала великая русская певица Антонина Васильевна Нежданова. Вы и сейчас можете услышать ее в записи на пластинке.



Голоса итальянских певиц-сопрано отличаются яркостью тембра, большой насыщенностью, глубиной звучания. Прославленной итальянской певицей-сопрано была Амелита Галли-Курчи. После ее ухода со сцены звание «первого сопрано мира» оспаривали друг у друга Рената Тебальди и Мария Каллас.



Диапазон сопрано от до первой октавы до до третьей октавы.



СТРУННЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ.

«Пан -- по верованиям древних греков -- бог лесов и рощ, покровитель стад и пастухов -- гордился своей игрой на свирели. Однажды он вызвал самого Аполлона (бога искусства и света) на состязание. Это было на склонах горы Тмол. Судьей был бог этой горы. В пурпурном плаще, с золотой кифарой в руках и в лавровом венке явился Аполлон на состязание. Пан первый начал состязание. Раздались простые звуки его пастушеской свирели, нежно неслись они по склонам Тмола. Кончил Пан. Когда замерли отзвуки его свирели, Аполлон ударил по золотым струнам своей кифары. Полились величественные звуки божественной музыки. Все стоявшие кругом, как зачарованные, слушали музыку Аполлона. Торжественно гремели золотые струны кифары, вся природа погрузилась в глубокое молчание, и среди тишины широкой волной лилась мелодия, полная дивной красоты. Кончил Аполлон. Замерли последние звуки его кифары. Бог горы Тмол присудил Аполлону победу. Все славили великого бога-кифареда... А опечаленный Пан, побежденный Аполлоном, удалился глубже в чащу лесов...» Так рассказывает древнегреческий миф. Рассказ этот -- о том, как велика сила искусства, о том, что среди всех музыкальных инструментов самым красивым, самым выразительным и волнующим звуком обладают струнные...ЮНОША, ИГРАЮЩИЙ НА КИФАРЕ. РИСУНОК С ГРЕЧЕСКОЙ ВАЗЫ, V В. ДО Н. Э.



Кифара -- один из предков современных струнных инструментов -- возникла очень давно из охотничьего лука. Натягивая тетиву, какой-то охотник на заре человечества услышал приятный медленно угасавший звук. Тогда и родился первый струнный щипковый инструмент.



Шли годы, десятилетия. К одной струне-тетиве стали прибавляться другие. Они делались разной длины и толщины, натягивались с разной силой, а в зависимости от этого и звучали по-разному: одни выше, другие ниже.



Потом люди заметили, что если струны натянуть не на тетиву лука, а на полый, то есть пустой внутри ящик, звук получится красивее. Этот ящик стали делать различной формы и величины, да и струны к нему прикреплялись неодинаково. И возникли разные инструменты, каждый со своим особенным тембром -- лютня, теорба, гитара, монохорд, мандолина, гусли, цимбалы... Способ игры на них тоже вырабатывался различный. На некоторых играли пальцами (гитара) или специальной пластинкой -- плектром, которым задевали за струну (мандолина). На других с помощью молоточка или палочки, которой ударяли по струнам. Этот способ игры сохранился на цимбалах и... фортепиано. ДРЕВНЕГРЕЧЕСКАЯ КИФАРА



Но вот кто-то из древних музыкантов задумался: щипок или удар вызывает короткий звук. А нельзя ли сделать, чтобы звук тянулся? И появился смычок -- палочка с натянутым на нее пучком конского волоса, которым вели по струне. При этом струна звучала долго, все время, пока смычок касался ее. Так появилась целая группа инструментов -- струнных смычковых.



К XV веку возникло целое семейство смычковых инструментов -- виол. Их делали большими и маленькими. В зависимости от размера они назывались дискантовая, альтовая, теноровая, большая басовая, контрабасовая. И звук у них, в соответствии с названием каждой, был более высоким или более низким. Отличался он нежностью, мягким матовым тембром, но слабой силой. Все виолы имели корпус с ясно выраженной «талией» и с покатыми «плечами». Исполнители держали их вертикально, на коленях или между коленями.



Как профессиональный инструмент скрипка возникла в конце XV века. Затем мастера разных стран усовершенствовали ее. Новый инструмент обладал и более сильным звуком, и значительно большими виртуозными возможностями. И вскоре скрипка вытеснила своих предшественниц. Уже в конце XVI века появились великолепные скрипки так называемой кремонской школы. Скрипичные мастера семейств Амати, Гварнери и Страдивари, жившие в итальянском городе Кремоне и из поколения в поколение передававшие секреты своего мастерства, славились своими инструментами. И поныне их скрипки непревзойденны по качеству. Ценятся они очень дорого, и в нашей стране охраняются как государственное достояние. Большинство их находится в государственной коллекции. Играют на них лучшие скрипачи Советского Союза.



Современные смычковые -- скрипка и появившиеся вслед за нею альт, виолончель и контрабас -- похожи друг на друга и отличаются, в основном, размерами. Их форма произошла от формы виолы, но более изящна и продуманна. Основное отличие -- круглые «плечи». Лишь у контрабаса они покатые: иначе исполнителю трудно нагибаться к струнам.



Во время игры разные из смычковых держат по-разному: скрипку и альт -- горизонтально, положив на плечо и придерживая подбородком. Виолончель и контрабас -- вертикально, упирая в пол остроконечной металлической подставкой.



По тембру все струнные смычковые очень похожи друг на друга, хотя, конечно, не одинаковы. Высота же звуков зависит от величины корпуса и длины натянутых на него струн, вот тут-то инструменты сильно отличаются один от другого. Самая низкая нота у великана-контрабаса на две с лишним октавы ниже самой низкой ноты скрипки (соответственно -- ми контроктавы и соль малой октавы).



Струнные смычковые инструменты играют главную роль в оркестре. Это самая важная и самая многочисленная группа инструментов.



А струнные щипковые выступают как сольные, по большей части любительские инструменты. Особенно это относится к гитаре, одному из самых распространенных, самых любимых инструментов в мире.



Такие струнные щипковые, как домры, балалайки, гусли входят в состав оркестра народных инструментов. По аналогии с семейством смычковых, домры и балалайки тоже стали изготовлять разных размеров. Сейчас в оркестрах звучат балалайки пикколо, прима, секунда, альт, бас и контрабас, группа домр также от пикколо до контрабаса. В отдельных случаях, когда этого требует художественный замысел, композиторы вводят щипковые инструменты и в симфонический оркестр.



СУРДИНА.

Быть может, вам приходилось слышать выражение -- «под сурдинку»? Так говорят о чем-то, что сделано тихо, незаметно, так, чтобы не обратить на себя внимания. Откуда же пошло это выражение? Из музыки, от принадлежностей музыкального инструментария.

Французское слово sourdine происходит от итальянского sordino, sordo -- глухой, глухо звучащий. Сурдина -- это специальное приспособление, которым в музыкальных инструментах приглушают звучность, слегка изменяют тембр.



СУРДИНЫ ДЛЯ СТРУННОГО (СЛЕВА) И ДУХОВОГО ИНСТРУМЕНТОВ



У разных инструментов сурдины бывают разной формы и сделаны из разных материалов. Сурдина для струнных инструментов -- это деревянный, пластмассовый или металлический гребешок, который надевается на подставку. Когда применяется сурдина, звук становится слабее, а тембр -- не таким насыщенным, как обычно -- словно призрачным.



У духовых инструментов -- трубы, тромбона и валторны -- сурдина делается из дерева, алюминия или папье-маше в форме груши. Она вставляется в раструб.



У литавр роль сурдины выполняет кусок ткани, который кладут сверху, а у фортепиано -- модератор: приспособление, опускающее на струны полоску сукна или тонкого войлока.



Когда требуется играть с сурдиной, композитор помечает в нотах: con sordino; если сурдину нужно убрать, пишется: senza sordino.



СЮИТА.

Первые в истории музыки многочастные инструментальные произведения возникли из танцев. Первоначально под такую музыку лишь танцевали, потом стали ее слушать. Оказалось, что и это может доставить большое удовольствие -- не меньшее, чем танцы. Много веков тому назад появились произведения, состоящие из нескольких частей-танцев, но предназначенные для слушания. Эти произведения стали называть сюитами -- от французского слова suite -- последовательность.

Вначале в сюиту вошли четыре разнохарактерных танца: аллеманда, куранта, сарабанда и жига (о них вы можете прочесть далее в рассказе, который называется «Танец»). Танцы эти соединялись по принципу контраста между медленными, плавными и живыми-прыжковыми. Со временем они стали дополняться другими -- изящным церемонным менуэтом, жеманным небыстрым гавотом, шутливым бурре или живым, веселым провансальским ригодоном. Иногда появлялись в сюите и нетанцевальные части -прелюдия, ария, каприччио, рондо.



Подобные сюиты вошли в историю музыки под названием «старинные». Их создавали многие композиторы XVIII века. Наиболее известны сюиты И. С. Баха и Г. Ф. Генделя. Сюиты сочинялись для клавесина, для лютни, бывшей любимым домашним инструментом тех времен, порою -- и для оркестра.



В более позднее время, начиная с первой половины XIX века, большое распространение получили сюиты другого типа -- такие, как, например, «Карнавал» Р. Шумана -- цикл разнохарактерных фортепианных миниатюр. Или «Картинки с выставки» М. П. Мусоргского -- собрание пьес, передающих впечатления композитора от выставки художника В. А. Гартмана. А оркестровые сюиты П. И. Чайковского не связаны с конкретной программой, но и не танцевальны. Это характеристические пьесы с чертами тонкой стилизации.



Часто составляются сюиты из музыки к театральным спектаклям, кинофильмам, из балетных или оперных отрывков. Таковы, например, сюиты «Пер Гюнт» Э. Грига, «Овод» Д. Д. Шостаковича, «Золушка» С. С. Прокофьева. Наверное, вы и сами можете дополнить этот перечень без труда.



Т



ТАКТ.

Если вы посмотрите в ноты -- любые, безразлично для одного инструмента или нескольких, ноты романса или оркестровую партитуру, то увидите, что нотные строчки в них разделены вертикальными линиями. Эти линии, называемые тактовой чертой, отделяют один такт от другого. А тактом (от латинского tactus -- прикосновение, воздействие) поэтому называется тот отрезок музыки, который заключен между двумя тактовыми чертами.

Ставятся эти черты не как попало, а в совершенно определенном порядке: перед сильной, ударной долей мелодии. Таким образом, число долей в такте бывает различным в зависимости от его размера. Так, размер вальса -- три четверти. Это значит, что ударной в нем является каждая первая из трех четвертных долей. И в каждом такте вальса будет ровно по три четверти. А полька, например, -- двудольный танец. И в каждом такте польки содержится по две четверти. Размер такта изображается числом, в котором верхняя цифра указывает количество, а нижняя -- длительность долей, составляющих такт. Например, 2/4, 3/8 и т. д. Размер такта выставляется в начале произведения.



Такты могут быть не только простыми, с одним ударением, но и сложными. Сложные такты, с размером 6/8, 1/9, 4/4 и другими подобными имеют несколько ударений -- одно главное, самое сильное, на первой доле такта; другое или другие, если их больше, на относительно сильных долях внутри такта.



Такты бывают симметричные (на 2/4, 6/8 и т. п.) и несимметричные, причем не только на 3/4 или 3/8, но и такие, как 5/4, 5/8 и другие. Бывают совсем редкостные, уникальные размеры такта. Так, в финале оперы «Снегурочка» Римский-Корсаков написал хор славления бога Ярилы-Солнца с размером такта в 11/4.



ТАМТАМ.

Случалось ли вам слушать Шестую симфонию или «Франческу да Римини» Чайковского? А «Шехеразаду» Римского-Корсакова? Если случалось, то вы, наверное, обратили внимание на один совершенно необычный звук: непонятный, таинственный, гулкий, как будто неопределенной высоты, но сливающийся с музыкой, в которую он ворвался неожиданно и зловеще. Это тамтам, инструмент из группы ударных, пришедший к нам из Азии.

ТАМТАМ

(РАЗНОВИДНОСТЬ ГОНГА)



Тамтам -- литой металлический диск. Он делается из специальных сплавов, а играют на нем, ударяя колотушкой с войлочной головкой. Тамтам относится к инструментам с неопределенной высотой звука, но обладает удивительной способностью: его звучание всегда словно «подстраивается» к той тональности, в которой играют в это время другие инструменты. Партия тамтама записывается в виде разных длительностей на одной линейке -- «нитке».



В симфонический оркестр тамтам пришел недавно. Используется он для создания особых звуковых эффектов. Его звучность может быть самой разнообразной -- от таинственного, еле слышного пианиссимо до мощного, подчас зловещего и грозного фортиссимо. Не случайно в операх тамтам нередко применяют для имитации погребального звона. Звучанием тамтама сопровождаются сцены волшебства, заклинаний, молений жрецов.



С целью создания яркого колористического звучания он был введен и в те произведения, с которых начался наш рассказ.



ТАНЕЦ.

С древнейших времен и до наших дней люди танцуют -- праздниках или просто в свободные вечера, непринужденно веселясь или участвуя в торжественной церемонии.



Много веков тому назад танцы можно было увидеть и на сельских площадях, где крестьяне кружились под немудреные звуки самодельных инструментов, и в пышных дворцовых залах, в сопровождении труб, виол или оркестра...



Большинство этих танцев в той или иной форме дожили до нашего времени.



Конечно, они очень отличаются один от другого в зависимости от страны, в которой родились, от времени, когда это произошло, от того, кто и где их исполнял.



Вот, например, аллеманда. Серьезная, неторопливая. Как бытовой и придворный танец аллеманда появилась в Англии, Франции и Нидерландах в середине XVI века.



Родилась аллеманда из приветственных сигналов трубачей, звучавших при встрече высоких особ -- князей, владетелей графств и герцогств. Под эти приветственные звуки двигалось торжественное шествие придворных, поэтому размер танца четный, как у марша -- 2/4, реже 4/4.



Войдя в сюиту как часть цикла, аллеманда стала богато разработанной торжественной пьесой вступительного характера.



Французский танец куранта (courante -- бегущая, текущая) -- тоже придворного происхождения, но довольно быстрый -- об этом говорит название, -- отличающийся сложными, затейливыми фигурами и соответствующей им затейливой музыкой. Размер его трехдольный -- 3/4 или 3/8.



Совсем иная сарабанда. Это медленный, величественный танец, родившийся в Испании. Он возник из торжественного похоронного обряда, когда все присутствовавшие на погребении в молчании ступали вокруг гроба. Происхождение танца отразилось в его названии -- sacra banda -- по-испански -- святое шествие. Сказался в сарабанде и горделивый испанский характер. Несмотря на то, что сарабанда -- танец-шествие, размер ее 3/4 в трехдольном движении удобнее было совершать многочисленные повороты во время спуска по крутой винтовой лестнице в усыпальницу, шествовать вокруг гроба.



Жига (от англ. jig) старинный танец английских моряков -- быстрый, веселый, непринужденный. Музыка его словно льется безостановочно, ровными триолями, как веселый ручеек, в размере 3, 6, 9 или 12 восьмых.



Аллеманда, куранта, сарабанда и жига -- именно в таком порядке, составляя контрастные сочетания, они вошли в старинную сюиту.



Красивы и очень отличны по характеру танцы разных народов. Своеобразны норвежские крестьянские танцы. Парный «прыжковый танец» -- спрингар -- отличается острым чеканным ритмом, яркой мелодией в трехдольном размере. Парни, весело подпрыгивая и притопывая, ведут девушек, которые ступают мелкими шажками.



Халлинг -- сольный танец, в котором юноша показывает силу, проворство и ловкость. Халлинг изобилует высокими прыжками, вращениями, перевертываниями в воздухе. Музыка его, в размере 2/4 носит мужественно-суровый характер, имеет упругий и прихотливый ритм.



Гангар -- неторопливый, спокойный. Его танцуют парами, торжественно и чинно, в размере 6/8.



Эти три самых распространенных в Норвегии танца широко использовал в своем творчестве Григ, который сам любовался ими, записывал их мелодии.



Множество чудесных танцев издавна бытует в Польше. Наиболее известны из них -- полонез, краковяк и мазурка.



Самый древний танец -- полонез. В старину он назывался «великим», или «пешим» танцем. Нынешнее его название -- французское, в переводе означает «польский». Сначала его танцевали только мужчины. Полонезом -- парадным шествием, в котором все гости должны были принять участие, открывались придворные балы. Под горделивое, величественное звучание музыки -- своеобразного торжественного марша, но в трехдольном размере, длинной вереницей выступали танцующие, изящно приседая в конце каждого такта музыки. Кроме придворного, существовал и крестьянский полонез -- более спокойный и плавный.



Излюбленный польский танец -- мазурка, точнее -- мазур (от названия одной из областей Польши -- Мазовии). Народная мазурка -- с веселой, задорной, резко акцентированной мелодией в трехдольном размере -- это парный танец, в котором нет заранее придуманных фигур. Ее импровизируют партнеры. В шляхетской, дворянской мазурке больше блеска, ее па как бы символизируют военную удаль. В XIX веке мазурка стала одним из самых популярных бальных танцев.



Краковяк (краковяки -- жители города Кракова) -- отличается четким двудольным размером. Вначале его танцевали тоже только мужчины: парами, в которых один изображал рыцаря, а другой -- его оруженосца. Затем краковяк стали танцевать в паре с дамой: она -- плавно, изящно, он -- с резкими притоптываниями.



Все эти танцы представлены в творчестве великого сына Польши -- Шопена. Особенно часто обращался он к мазурке. Среди шопеновских мазурок -- и блестящие бальные, и задорные крестьянские, и опоэтизированные нежные мелодии -- настоящие миниатюрные поэмы. Кажется, сама душа Польши воплотилась в этих прекрасных творениях.



Народный танец полька по созвучию многим тоже кажется польским. Однако он принадлежит другому славянскому народу -- чехам. Название его происходит от слова pulka -- половина, так как танцевали его мелкими шажками. Это живой непринужденный танец в двудольном размере, который танцуют парами по кругу. Полька обычно открывала деревенский бал, и, заслыша ее веселые звуки, никто не мог устоять на месте. Этот самый любимый из чешских народных танцев завоевал широкую популярность во всей Европе. Он звучит в опере чешского композитора Бедржиха Сметаны «Проданная невеста».



Интересна судьба австрийского танца лендлера. Этот парный круговой трехдольный танец получил свое название от австрийской области Ландль. В начале XIX века он перекочевал из сел в города Австрии и Германии. Его стали танцевать на балах, и постепенно он превратился во всем известный и всеми любимый вальс.



Вот уже целых два века живет и пользуется неизменной любовью этот увлекательный, вечно юный танец. В Германии, Австрии, Чехии, крестьяне на праздничных вечеринках весело кружились парами (отсюда происхождение названия танца -- немецкое walzen -- прокатывать). Постепенно движение становилось все более плавным, кругообразным, из него уходили типичные для народного танца подпрыгивания и притопывания. Рождался вальс. На рубеже XVIII и XIX века вальс быстро распространился по многим странам.



Прежде всего новый танец завоевал Вену. Вальсы композиторов Лайнера и Иоганна Штрауса-отца звучали в австрийской столице повсюду. Вальсы же Иоганна Штрауса-сына покорили не только Вену, но и весь мир. Поэтичные, изящные, с обаятельными, свободно льющимися мелодиями, они пленяли слух. Они пронизывали и оперетты И. Штрауса. Начиная с «Приглашения к танцу» Вебера, вальс попал в сферу симфонической музыки. В России великолепным образцом такого симфонического вальса стал «Вальс-фантазия» Глинки. Зазвучали в концертах и фортепианные вальсы -- «Мефисто-вальс» Листа, «Сентиментальный вальс» Чайковского и, конечно, многочисленные вальсы Шопена -- то блестящие, бравурные, то нежные и мечтательные. В наше время любимы вальсы Прокофьева -- из балета «Золушка» и оперы «Война и мир», вальс Хачатуряна из музыки к драме Лермонтова «Маскарад».



В Венгерских рапсодиях Листа, в Венгерских танцах Брамса звучат характерные мелодические обороты, острые ритмические фигуры. Они сразу узнаются на слух. Это -- интонации венгерского танца чардаша. Название его происходит от слова csarda -- трактир, корчма. Венгерские корчмы издавна служили своеобразными клубами, где собирались окрестные жители. В них или на площадке перед ними и танцевали. Чардаш возник не в крестьянской или придворной среде, а в городе, в начале XIX века. Танец этот двудольный и состоит из двух частей -- довольно медленного патетического лашшана и стремительной, огневой фришки.



На юге Италии расположился город Таранто. Он дал имя национальному итальянскому танцу тарантелле. Тарантелла распространена по всему югу Италии. Особенно любят ее в Неаполе и в Сицилии. Стремительный, веселый танец, исполняемый под гитару и кастаньеты, ярко выражает характер темпераментных южан. Размер тарантеллы 3/8 или 6/8 с характерным, непрерывным и непринужденным движением триолями. Жизнерадостный ритм тарантеллы привлек к себе многих композиторов разных стран -- Листа, Шопена, Чайковского, Прокофьева. Верди использовал тарантеллу в опере «Сицилийская вечерня», а Россини создал в ее ритме песню, пользующуюся большой популярностью.



Яркостью, темпераментом отличается и южнофранцузский -- провансальский -- танец фарандола. Его участники пляшут в хороводе, держась за руки, то быстро, то медленно, в сопровождении тамбуринов и пронзительно звучащей флейточки-галубе. Прекрасную фарандолу написал Бизе к драме А. Доде «Арлезианка».



Очень колоритны танцы Испании. Хота -- любимый танец Арагона, Каталонии, Валенсии, -- отличается быстрым темпом, трехдольным размером, острым ритмом, который подчеркивается щелканьем кастаньет. Это парный танец, исполняемый под гитару или мандолину. Своеобразием хоты пленился Глинка во время своего путешествия по Испании. Его оркестровая «Арагонская хота» написана на подлинную народную тему.



Другой распространенный испанский танец -- болеро (от испанского voler -- летать), более умеренный, с ритмом, напоминающим ритм полонеза. Сопровождается он тоже гитарой и кастаньетами, но часто и пением. Русские композиторы -- Глинка, Чайковский, Даргомыжский, Кюи -- писали романсы в ритме болеро. Пожалуй, самое известное произведение в этом ритме -- «Болеро» французского композитора Мориса Равеля.



Русские танцы -- и веселые пляски, и плавные хороводы, часто сопровождаются пением. Среди танцев народов нашей страны известны украинские гопак и «Казачок» (существуют также «Казачки» кубанский и терский) -- двудольный танец импровизационного характера, в котором партнер повторяет движение своей подруги; задорная молдавеняска и молдавский танец-хоровод коло, известный также на Украине. Коло танцуют и за пределами нашей родины -- в Болгарии, Румынии, Югославии, Польше.



Большую известность среди наших народных танцев приобрел грузинский танец лезгинка. Быстрая, темпераментная, требующая большой силы и ловкости от юноши, плавности и изящества от девушки, она является их своеобразным соревнованием. Музыка лезгинки -- с четким ритмом, двудольным размером и энергичными движениями -- привлекла к себе внимание многих композиторов. Так, Глинка в «Руслане и Людмиле», Рубинштейн в «Демоне» поместили бурную, полную стихийной силы и страсти лезгинку.



ТАРЕЛКИ.

Не правда ли, странное название для музыкального инструмента? И тем не менее тарелки -- плоские металлические пластинки -- один из самых распространенных ударных инструментов. В оркестре тарелки появились еще в XVII веке, а известны были на много веков раньше. На тарелках играли еще 4 тысячи лет тому назад в Древнем Египте.

В оркестре бывает обычно пара тарелок (поэтому, как и литавры, называются они во множественном числе). Звук извлекается ударом тарелок друг о друга, ударом по тарелке палочкой от барабана или литавр, ударом металлической метелкой. Звук тарелок, в зависимости от способа и силы удара, может получиться самый разнообразный, от звонкого, пронзительного, до еле слышного шопота.



Чаще всего удары тарелок совпадают со звучанием большого барабана. Бывает, что одна из тарелок привинчивается к барабану, и играет на обоих инструментах один исполнитель.



Тарелки -- инструмент с неопределенной высотой звука. Партия их записывается на одной линейке -- «нитке».



ТЕМА.

Что означает это слово, без сомнения, знают все. Каждый день в школе вы слышите: «Тема сегодняшнего урока...», «К следующему разу повторите темы...», «Тема сочинения, которое вы будете писать...» А в музыке термин «тема» приобретает иное значение. Там вы можете услышать: «Тема вражды...», «Главная тема первой части...», «Основная тема финала...», «Тема Снегурочки...». Какой же смысл вкладывается в этот музыкальный термин?

Тема в музыке -- это как бы герой музыкального произведения, его действующее лицо. С точки зрения музыкальной «технологии» это построение, способное явиться основанием для разработки. Поэтому композиторы стремятся сочинять темы, яркие по характеру, выразительные, запоминающиеся. Есть такие формы музыкальных произведений, в которых используется всего одна тема. Так бывает, например, в фуге (если это обычная, а не двойная или тройная фуга -- в тех, соответственно, две и три темы), в вариациях. Чаще их несколько. Например, в первой части сонаты или симфонии есть главная и побочная партии, в каждой из которой действует самостоятельная тема, а иногда и не одна (об этом можно прочесть в рассказе о сонате). В следующих частях симфонии тоже по нескольку тем -- по две или три, а в финале может быть гораздо больше.



Темы могут быть протяженными, развернутыми, могут быть и краткими, лаконичными. Но во всяком случае тема должна быть относительно законченным построением. Иногда понятие темы совпадает с понятием лейтмотива. Именно в этом смысле говорится обычно: «Тема любви...», «Тема борьбы за счастье», «Тема кольца нибелунга» (о лейтмотивах вы, наверное, уже читали на предшествующих страницах).
Теги: Музыкальный словарь
Просмотров: 25 | Добавил: creditor | Теги: Музыкальный словарь | Рейтинг: 0.0/0
Всего комментариев: 0
avatar
close